L’arte come investimento – I dipinti e le sculture sono investimenti sensati?

Cosa significa “arte come investimento”—e cosa non significa?

Quando si parla di arte come investimento, di solito si intende apprezzamento del valore (capital gains): un’opera viene acquistata oggi e rivenduta in seguito a un prezzo più alto. A differenza delle azioni, non esistono dividendi, né cedole ricorrenti, né un prezzo di mercato standardizzato. Il valore dipende invece da un insieme di fattori come rarità, condizioni, provenienza, storia espositiva e bibliografica, trend di mercato e, non da ultimo, dalla storia che si può raccontare attorno all’opera.

Allo stesso tempo, nell’arte la parola “investimento” è spesso strettamente legata alle motivazioni del collezionismo: si compra non solo per il rendimento, ma anche per piacere, status, capitale culturale o come marcatore identitario. Questo “dividendo non finanziario” può essere reale: se ami un’opera, è più facile sopportare un orizzonte di detenzione lungo—e questo è rilevante perché il mercato dell’arte raramente offre liquidità rapida.

Molti gestori patrimoniali sottolineano che, oltre alle opportunità, esistono costi ricorrenti—come deposito, controllo climatico e assicurazione. Proprio questi “carry costs” contribuiscono a determinare se un investimento risulterà davvero redditizio al netto.

Come si formano i prezzi nel mercato dell’arte: asta, galleria, vendita privata

L’arte viene scambiata, in modo semplificato, in due “mondi”: il mercato primario (prima vendita tramite galleria/artista) e il mercato secondario (rivendita, ad es. in asta). Nel mercato primario i prezzi sono spesso “fissati”: le gallerie gestiscono la disponibilità, collocano le opere presso i collezionisti e cercano di costruire il mercato in modo controllato. Nel mercato secondario i prezzi diventano più visibili, ma anche più volatili: le aste creano riferimenti pubblici, tuttavia non ogni asta è rappresentativa—una singola “guerra di offerte” può spingere il prezzo verso l’alto, e la mancanza di interesse può portare a un esito “bought in” (invenduto).

Costi tipici che gli investitori dovrebbero considerare

Consiglio: se confronti i rendimenti con le azioni, calcola al netto dei costi. L’arte ha spesso costi di transazione più elevati dei mercati finanziari liquidi, aumentando la soglia per una “buona” performance.

Un’andamento di prezzo concreto: “Salvator Mundi” (Leonardo da Vinci)

Per rendere concreto cosa possa significare “andamento dei prezzi” nell’arte, vale la pena guardare a un’opera celebre con rivendite documentate: “Salvator Mundi”, il dipinto attribuito a Leonardo da Vinci che nel 2017 ha ottenuto un prezzo record da Christie’s. Il caso è estremo—ma istruttivo, perché mostra come attribuzione, narrazione, scarsità e marketing possano trainare il valore.

Alcune transazioni note (nominali, in USD dove indicato)

• 1958: Vendita da Sotheby’s per £45 (all’epoca attribuito a un allievo).
• 2005: Acquisto in un’asta regionale USA per $1.175, catalogato come “After Leonardo”.
• 2013: Vendita per $80 mln a una società sotto il controllo di Yves Bouvier (privato).
• 2013: Rivendita per $127,5 mln a Dmitry Rybolovlev (privato).
• 15 novembre 2017: Asta da Christie’s New York: $450.312.500 (incl. Buyer’s Premium).

Il grafico qui sotto visualizza questa traiettoria. Importante: i salti sono così grandi che ha senso usare una scala logaritmica—altrimenti la parte iniziale sarebbe quasi invisibile.

Altri esempi celebri: la stessa opera—più cara in seguito (o con rischi)

I “trophy assets” (opere top nella fascia multi-milionaria) hanno soprattutto un andamento relativamente stabile? Questa intuizione è diffusa—e in parte i dati di mercato sostengono l’idea che la punta estrema sia spesso più resiliente del segmento medio. Allo stesso tempo, gli studi basati su rivendite ripetute mostrano che le perdite sono frequenti e che i “rendimenti dell’arte” possono variare molto per periodo, segmento e metodologia.

Esempi con rivendite riportate pubblicamente

Nota: nelle vendite private i dettagli (modalità di pagamento, commissioni, garanzie) spesso non sono chiari. Per analisi d’investimento, le aste sono più trasparenti—ma anche lì contano fattori come garanzie e strutture di commissioni/premi.

Rendimento, rischio, correlazione: cosa dicono studi e report di mercato?

Sui rendimenti dell’arte bisogna guardare con attenzione a come vengono misurati. Un approccio comune usa indici “repeat sales” (ad es. Mei/Moses), che includono solo opere scambiate almeno due volte. Questo riduce alcune distorsioni, ma non è perfetto: le opere mai rivendute (perché entrano in musei o restano in collezioni familiari) non compaiono nei dati. Inoltre i mercati dell’arte sono segmentati: il “Contemporary” si comporta diversamente dagli “Old Masters” e, dentro ogni segmento, contano moltissimo artisti, periodi e specifici corpus di opere.

Alcune osservazioni robuste

• Nel lungo periodo l’arte può avere una performance moderatamente positiva, ma viene spesso descritta come meno liquida e più costosa da negoziare.
• Diversificazione: varie analisi discutono una correlazione relativamente bassa con gli asset tradizionali—anche se i dati sono più limitati rispetto ad azioni/obbligazioni.
• Fasi recenti possono essere deboli: alcune valutazioni più nuove e commenti di mercato segnalano rendimenti più bassi e/o grande dispersione negli ultimi anni.

Cosa gli investitori spesso sottovalutano

• Illiquidità: un “prezzo equo” è spesso realizzabile solo se si ha tempo (e il canale giusto).
• Concentrazione del rischio: una singola opera è un rischio concentrato. Anche gli artisti blue chip possono essere ciclici.
• Rendimento netto: dopo premium, commissioni, deposito e assicurazione, i conti cambiano.
• Asimmetria informativa: i professionisti sanno di più (o hanno reti migliori)—soprattutto nelle vendite private.

L’arte è adatta ai piccoli investitori?

Sì—ma raramente nel modo suggerito dal titolo “arte come investimento”. Con un budget limitato si può comunque partecipare in modo sensato, ma conviene accettare obiettivi e regole diverse: meno “battere il mercato”, più curva di apprendimento, piacere e gestione del rischio.

Quattro strade realistiche per i piccoli investitori

1. “Buy what you love” — ma con metodo: Invece di speculare su guadagni rapidi, compra in nicchie che conosci (fotografia, edizioni, scene locali). Una collezione di lungo periodo può costruire valore—e anche se non lo facesse, resta l’utilità (estetica, cultura).
2. Edizioni/print/fotografia: Le edizioni sono più accessibili, ma l’andamento del valore dipende molto da tiratura, firma, condizioni e domanda di mercato. Qui la ricerca è spesso più importante del budget.
3. Fractional ownership / modelli piattaforma: Modelli come “quote di un’opera” abbassano la soglia d’ingresso, ma non eliminano i rischi. Controlla struttura (ad es. veicolo dedicato), commissioni, durata, liquidità/negoziabilità delle quote e il fatto che le performance passate non garantiscono quelle future.
4. Esposizione indiretta: Se cerchi esposizione al mercato dell’arte ma non vuoi rischi di deposito/autenticità, puoi pensare anche in modo indiretto (ad es. aziende nell’ecosistema dell’arte). In quel caso è più un tema equity classico che “possesso di arte”.

Assunzione frequente: “solo le opere top sono relativamente sicure”—è vero?

Questa valutazione è comprensibile: il mercato può sembrare “a bilanciere”—domanda molto forte in cima e molte incertezze sotto. I report di mercato degli ultimi anni sottolineano spesso che la fascia di prezzo più alta è sostenuta da pochi nomi e da opere molto rare, mentre i segmenti intermedi possono oscillare di più.

Tuttavia, una sfumatura è importante: la sicurezza non è garantita neppure in cima. Le opere trophy sono più costose, ma non automaticamente più liquide—anzi, il bacino di compratori è più piccolo e la “vetrina giusta” è decisiva. E un’opera sotto la soglia del milione può performare relativamente bene se conosci davvero il settore (carriera dell’artista, attenzione curatoriale, acquisizioni museali, ricezione critica).

Una visione pragmatica

• Le opere top spesso hanno un’infrastruttura di mercato migliore (advisors, garanzie, compratori globali)—questo può dare stabilità.
• Sotto la dispersione è maggiore: puoi trovare sia storie “10x” sia erosione silenziosa del valore.
• Know-how può dare più vantaggio nel mid/low end che in cima, dove competono tutti i professionisti.

L’arte può essere un investimento—ma raramente “facile”

L’arte come investimento funziona meglio se non la tratti come un’azione. I grandi guadagni spesso nascono da una combinazione di conoscenza, accesso, tempismo—and fortuna. Allo stesso tempo, l’arte può essere un componente sensato se accetti le sue specificità: costi di transazione elevati, illiquidità, asimmetrie informative, ma anche la possibilità di “consumare” valore culturale ed emotivo mentre la detieni.

Per i piccoli investitori, la strada più realistica è spesso: iniziare in piccolo, prendere sul serio la documentazione, calcolare i costi accessori, e investire più in apprendimento + rete che nel “flip veloce”. E se dai priorità ai rendimenti, spesso è più saggio pensare in modo diversificato e strutturato—con un occhio molto chiaro a commissioni e liquidità.